Comme tous les ans depuis 13 ans, voici la suite du du classement des meilleurs films du blanc lapin. Sur 114 films vus au cinéma ou sortis sur les plateformes en 2022, cette année a été particulièrement riche avec une forte présence du cinéma français, en mal dans les entées en salles mais en très grande forme du point de vue de la production. Le cinéma français est de retour avec de nouveaux talents chez les auteurs et les interprètes.
Vous pouvez retrouver la première partie des films préférés ici.
Voici donc la seconde partie du classement du N°15 à N°1 sachant qu'il y a des ex aequo.
N°15 - "La conspiration du Caire" de Tarik Saleh
Un peu à la manière d’un Nom de la rose dans un contexte musulman, « La conspiration du Caire » brille par l’intelligence de son scénario, axé sur un rythme et un suspens de tout instant qui pèse sur ce héros malmené, ballotté par le pouvoir militaire en place tout comme les religieux.
Le réalisateur suédois Tarik Saleh, interdit de séjour en Égypte et on comprend pourquoi on voyant le film, signe un thriller de grande tenue qui tout en commençant très doucement explique comment l’Égypte mêle politique et religion de façon très archaïque.
L'individu pèse au final très peu. La vie humaine a une valeur toute relative face à des enjeux d'un cynisme déconcertant. Le rôle du général de Fares Fares, chargé de l infiltration, est très nuancé et d'une morale baignant dans un gris vraiment intéressant.
Mais Tarik Saleh n'oublie pas le spectaculaire pour autant au sein de cette université religieuse al-Azhar, monde à l'intérieur de la ville et du pays.
La mise en scène accompagne ce jeu de manipulation, de complots tout en délivrant un message politique fort sur l'écart entre les puissants et une population tenue dans sa misère par la religion.
"La conspiration du Caire" est à la fois original, politique et divertissant, un très bon film.
N°14- "Armageddon Time" de James Gray
L’histoire très personnelle du passage à l’âge adulte d’un garçon du Queens dans les années 80, de la force de la famille et de la quête générationnelle du rêve américain.
James Gray est le maitre derrière les drames New-Yorkais que sont "little odessa", "la nuit nous appartient", "two lovers". Puis il s'est éloigné de New-York pour la grande aventure avec le très beau "The Lost City of Z", qu'il mis 10 ans à réussir à produire. Son film de science-fiction Ad Astra, permettait à Brad Pitt d'ajouter en 2019 un nouveau grand rôle après celui obtenu chez Tarantino deux mois avant (Once Upon a Time in Hollywood).
Après ses trois incursions dans des genres non contemporains (film en costume pour The Immigrant, aventures pour "The Lost City of Z" et Science-Fiction pour "Ad Astra"), James Gray revient à New York avec Armageddon Time pour ce film autobiographique qui suit l'éducation du réalisateur dans le quartier du Queens des années 80.
C'est son film le plus personnel et le plus tendre à travers le regard d'un enfant et une figure tutélaire qui était son grand-père joué par le magistral Anthony Hopkins.
Évidemment on ne peut qu'adhérer à ce personnage au crépuscule de sa vie qui va donner quelques leçons de morale bien sentie au petit pour lui apprendre ce que c'est que de résister face aux cons et face au racisme, à l'intolérance, qui ont fait fuir sa famille juive d'Ukraine au moment de l'arrivée des nazis.
Mais plutôt que de livrer une démonstration, James Gray filme de façon très classique, peut-être trop pour certains, la montée en puissance d'un conservatisme blanc intolérant, personnalisé par le propriétaire du lycée privé du Bronx où il a été scolarisé, un certain Fred Trump, le père de Donald Trump.
Anne Hathaway ou le génial Jeremy Strong (Succession) jouent les parents de ce gamin pas très docile qui s'intéresse plus à des sujets artistiques qu'à l'école et a un peu de mal avec l'autorité. Son amitié avec un jeune noir défavorisé permet au film de montrer ce racisme hypocrite et cette dualité de chances entre blancs et noirs sans pour autant être lourd ou bavard. Les choses s’insinuent peu à peu et forment un témoignage assez bouleversant d'une forme d'apprentissage des valeurs et de ce que c'est que d'être une personne intègre, ouverte d'esprit et pour qui la notion d'injustice signifie quelquechose.
Le film est mélancolique et pourtant tout en retenue sur les émotions ce qui rend certains passages d'autant plus bouleversants car incroyablement universels.
On voit dans cet "Armageddon Time" les prémices d'un basculement dans une Amérique moins insouciante et davantage repliée sur elle-même, où l'idéologie mettait en avant les battants en laissant de côté toute une partie de la population considérée comme d'une autre catégorie.
La finesse de la mise en scène et des messages impose de nouveau le respect et aboutit sur un grand film.
N°13- « La nuit du 12» de Dominik Moll
Le pitch : À la PJ chaque enquêteur tombe un jour ou l’autre sur un crime qu’il n’arrive pas à résoudre et qui le hante. Pour Yohan c’est le meurtre de Clara. Les interrogatoires se succèdent, les suspects ne manquent pas, et les doutes de Yohan ne cessent de grandir. Une seule chose est certaine, le crime a eu lieu la nuit du 12.
Dominik Moll revient au sommet avec ce cold case sombre, à la mise en scène et aux choix scénaristiques brillants.
Le choix de Bastien Bouillon en rôle d'enquêteur en chef est très bon, tant cet acteur peu connu a un visage énigmatique. Son regard est assez particulier car on se demande toujours si il n'est pas ailleurs, on ne sait jamais ce qu'il pense réellement. D'ailleurs la froideur apparente du personnage, tout comme celle de ses collègues habitués aux affaires criminelles glauques et au sang est l'un des ressorts du film.
Ils font leur boulot et leur quotidien c'est de traiter d'histoires de meurtres. Ils n'ont donc pas le temps de s'émouvoir et se sont pas là pour celà même lorsqu'ils annoncent à une femme la mort de sa fille de 20 ans. Au début c'est déstabilisant et petit à petit on comprend que Domink Moll ne veut pas faire du sentimentalisme mais nous immerger dans le milieu de la criminelle, nous montrer que les policiers sont en effets vaccinés et habitués à cela et qu'ils raisonnent froidement, méthodiquement.
L’enquête en elle-même n'a rien de passionnant par sa fin mais par le fait que tous les suspects pourraient être coupables mais que la police n'y arrive pas.
Le personnage de Bouli Lanners, toujours excellent acteur, donne une caution plus humaine à cette bande de flics au cuir tanné. L'évolution de son personnage et son ras le bol de tant de noir autour de lui raisonnent comme un écho de ce que vivent probablement ses collègues mais qu'ils gardent intériorisés pour rester concentrés. Moll montre parfaitement cette carapace qu'ils se sont construite.
Et puis le réalisateur parle des dérives du mâle, de l'homme violent pétri de désirs et des relations homme-femme dans une petite ville de province où finalement les gens vivent en vase clos.
Cet excellent polar, chirurgical et calme traite du mal dans toute sa banalité horrifique sans jamais tomber dans la facilité scénaristique et en tenant ses choix de mise en scène et son orientation volontairement désespérée du début à la fin.
Une des pépites de l'année 2022.
N°12 - "Pinocchio" de Guillermo del Toro
Le conte de Carlo Collodi a déjà été adapté plusieurs fois, la dernière version étant celle de Matteo Garrone avec Roberto Benigni et le reboot live de Robert Zemeckis.
La version de Guillermo del Toro est bien supérieure. Le problème est que dans notre imaginaire, le dessin animé de Disney a trusté tout l'imaginaire autour du personnage. Del Toro s'est battu des années pour produire sa propre version et alors qu'il avait mis de côté son projet, Netflix lui a ouvert les portes.
Il faut dire que produire un film Pinocchio entièrement,nt en stop motion soit image par image avec des marionnettes sur fonds vert, comme L'étrange Noel de Mister Jack, est une gageure et coûte cher.
Le résultat est magnifique, les personnages et leurs designs sont évidemment très particuliers et le monstre rappelle le cinéma du maitre mexicain. La profondeur du visuel des personnage est vraiment différente avec cette technologie et donne un rendus moins lisse que leks productions Pixar. Il y a plus de matérialité physique au résultat et je trouve ceci vraiment bluffant.
A ceci s'ajoute un scenario que Guillermo del Toro a transposé à l'époque fasciste mussolinienne italienne, lui permettant d'adresser d'autres messages de tolérance qui ne figuraient pas sous cette forme dans le comte original. Il apporte ainsi une vision plus sombre comme dans L’échine du diable.
Et puis l'idée géniale est de donner à Gepetto un premier fils de chair et de sang, ce qui rajoute beaucoup à l'histoire et la rend d'autant plus belle.
Pinocchio devient un enfant imposé issu d'un délire alcoolique et se transforme en enfant choisi au terme de bien des aventures.
Le film aborde le deuil et la renaissance avec une simplicité confondante.
En trahissant Carlo Collodi, Guillermo del Toro nous a fait le plus beau cadeau de cette fin d'année avec un conte plus adulte, plus sombre mais magnifique visuellement et porteur de beaux messages.
Une grande réussite.
La piste aux Lapins : 4,25/5
N°11- "Great Freedom" de Sebastian Meise
L’histoire de Hans Hoffmann. Il est gay et l’homosexualité, dans l’Allemagne d’après guerre, est illégale selon le paragraphe 175 du Code pénal. Mais il s’obstine à rechercher la liberté et l’amour même en prison...
Si "Great freedom" est souvent glauque par le dureté de ce qu'enduraient les homosexuels en Allemagne lorsque l'homosexualité était punie d’emprisonnement, c'est aussi parceque Sebastian Meise choisit de raconter son histoire uniquement en prison.
Il a l'excellente idée de raconter l'histoire de cet homme et de sa relation avec un c-détenu hétéro mais héroïnomane sur trois périodes, 1945, 1955 et 1968, à la veille de la fin de la pénalisation.
L’oppression subie semble hors du temps tellement elle est moyenâgeuse et dénuée d'une quelconque humanité. Mais le héros est tellement solaire qu'on s'accroche à son sourire et son regard provocateur qui semble dire merde aux autorités en permanence. Franz Rogowski est brillant de bout en bout alors qu'il parle peu, par son visage expressionniste assez bluffant. Face à lui George Friedrich joue un homme rustre et homophobe avec qui il va tisser une relation d'amitié et d'amour assez particulière et hyper émouvante. Mais plutôt qu'une histoire gay classique, "Great Freedom" parle d'un combat pour survivre et aimer entre quatre murs via plusieurs histoire où le héros s'amourache d'autres jeunes gays emprisonnés et tente de trouver un espoir dans ces relations sans avenir car punies des pires souffrances.
Et puis "Great freedom" émeut à bien des reprises par la bonté des personnages ou leur sens du sacrifice pour se serrer les coudes ou sauver un autre détenu. Ce qui marque aussi c'est ce passage direct des camps de déportation nazis aux prisons allemandes à la libération, un fait peu connu de l'histoire.
La découverte des personnages et la construction du duo se fait avec beaucoup de finesse et amène sur une fin bouleversante et romanesque.
L'émancipation est passée par des crimes d'état qu'on aurait tord d'oublier trop vite. "Great freedom" est non seulement nécessaire dans son devoir de mémoire mais il est beau et poétique par moments, suffisamment pour vous donner une bonne claque salvatrice.
N°10- "Un autre monde" de Stéphane Brizé
Un cadre d'entreprise, sa femme, sa famille, au moment où les choix professionnels de l'un font basculer la vie de tous. Philippe Lemesle et sa femme se séparent, un amour abimé par la pression du travail. Cadre performant dans un groupe industriel, Philippe ne sait plus répondre aux injonctions incohérentes de sa direction. On le voulait hier dirigeant, on le veut aujourd'hui exécutant. Il est à l'instant où il lui faut décider du sens de sa vie.
Pour clore sa trilogie sur le monde du travail en entreprise après La loi du marché en 2015 et En guerre en 2018, Stéphane Brizé retrouve son acteur fétiche, Vincent Lindon.
L'acteur de 62 ans est toujours aussi sobre et juste mais cette fois-ci Stéphane Brizé lui fait changer de bord et lui donne le rôle du patron de site industriel, cadre supérieur coincé entre sa fidélité sans faille à son entreprise, sa reconnaissance pour avoir connu une belle ascension sociale.
Sandrine Kiberlain est comme toujours excellente en femme ayant sacrifié sa vie professionnelle pour son mari et Anthony Bajon se révèle décidément l'un des plus grands talents de sa génération dans le rôle difficile du fils. Il joue un gamin éduqué dans le culte du succès par son père mais en mode burn out à 20 ans à peine tellement la compétition pour réussir ses études l'a aspirée.
Le film se construit alors de façon assez originale. Le sujet ne surprend pas, on est dans un vrai film de gauche engagé, et les incohérences du capitalisme sans limite sont pointées de doigts comme on s'y attendait. Mais Stéphane Brizé use du cocon familial, ce cocon détruit par l'ambition noble du personnage et sa charge de travail énorme et impossible à refuser. Or c'est ce cocon mal en point qui va porter une lumière dans tout le film et y apporter les plus beaux moments dont une scène de jeu et de rire en famille absolument magnifique de simplicité et de justesse.
Marie Drucker est effrayante en Pdg / CEO qui obéit sans broncher à des ordres venus des Etats-Unis sans aucune justification et qui applique froidement une stratégie qui n'en n'est pas une, au risque de mettre en péril l'entreprise mais juste pour poursuivre son ambition et pour être la bonne élève, comme le personnage de Lindon et ses confrères directeurs de sites croient devoir l'être.
Une entreprise n'est pas une démocratie ni n'a forcément de vocation sociale, raison pour laquelle les entreprises à mission ont été créées ou pour laquelle la notion d'impact est autant à la mode dans les entreprises "modernes". Mais derrière les mots, les green ou social washing, qu'y a t il vraiment ? Un employé n'est ni plus ni moins qu'une ressource humaine, un nom et des coordonnées sur un tableur excel, remplaçable par un autre. "Personne n'est irremplaçable" et c'est le jeu de cette pression concurrentielle sur les coûts qu'imposent des pays à moindres protections sociales, moindres charges aussi et qui au final fait pression sur toute la chaine. On raisonne en chiffres, en data mais quid du capital humain et quid du rôle de l'entreprise sur son bassin d'emploi, d'autant plus lorsqu'elle est bénéficiaire et rentable.
Stéphane Brizé utilise une situation caricaturale avec évidemment certains patrons qui pensent à leur prime parcequ'ils ont vraiment beaucoup bossé avant une forme de solidarité. Mais il montre aussi que tous les patrons ne sont pas des salauds égoïstes et sans cœurs et que c'est justement quand le grain de sable du doute, de la morale s'installe que le mécanisme ripe fortement.
"Un autre monde" parle de morale alors que ce n'est pas une évidence que la morale soit une valeur en entreprise. En démocratie oui. En entreprise et bien çà dépend de laquelle.
L'authenticité du personnage de Vincent Lindon est bluffante et donne à ce drame social une tournure non basique où le manichéisme n'a pas sa place. L'évolution du personnage de Lindon est l'une des très grandes réussites de ce film majeur sur l'absurdité du monde du travail actuel, qui pousse des entreprises à des rendements toujours plus élevés et ne pense pas toujours au maintien en bonne santé mentale et physique de ce qui irrigue son fonctionement même, à savoir ses ressources humaines, justement.
Le style minimaliste du jeu renforce encore plus ce constat terrible de froideur et d'inhumanité dans lequel la concurrence mondialisée pousse les salariés dans leur quotidien et les cadres dans leur obéissance aveugle. Alors évidemment, et fort heureusement, de nombreuses entreprises ne raisonnent pas que comme cela et pensent au bien-être au travail comme un enjeu fondamental, non par bienveillance mais pour leur propre intérêt, tant en terme d'image que de performance. Un autre capitalisme plus "éclairé" ou plus conscient que la globalisation a des limites locales. Mais hélas, c'est loin d'être le cas partout.
Quand le cinéma parle de politique avec intelligence et recul çà donne un grand film.
N°09- "Elvis" de Baz Luhrmann
Le cinéma de Baz Lurhmann est rare, il tourne peu de films, 5 films en 25 ans et surtout il se reconnaît dès la première scène. C’est enlevé, ca explose, ca brille et c'est démesuré. Ca peux gonfler certains mais de Romeo+Juliette à Moulin Rouge, moi le résultat me plait plutôt. C’est too much certes mais c'est assumé comme un énorme spectacle qui doit en foutre plein la vue. Son Gatsby le Magnifique était d ailleurs sauvé par l'interprétation de Di Caprio et cette épilepsie dans les travellings qui gommait les côtés chiants et classiques du scénario.
Avec Elvis, le réalisateur réussit à m'intéresser à un artiste dont je me fout complètement, qui pour moi est une caricature et dont le style musical m'a toujours laissé de marbre. Il a réussi à m'emballer et me rendre hyper enthousiaste sur son Elvis.
Plusieurs atouts font de ce film un must à voir en 2022. Évidemment la mise en scène est prodigieuse, inventive, disruptive et créative, ce qui pourrait à elle seule valoir le coup même en racontant un biopic bateau.
Mais Baz Luhrmann a eu le talent de faire trois choix pertinents. D'abord il raconte l'enfance d Elvis et nous fait redécouvrir son attachement à la culture musicale noire mais il le fait via une explication de texte d'un personnage immonde. Tom Hanks joue un vrai méchant à contre emploi total en interprétant ce « Colonnel » qui réussit à s'imposer impresario d'Elvis depuis tout jeune jusqu’à lui sucer tel un vampire ces dernières forces et le pousser à la déchéance par appât de gain et avidité. Rassurez vous le personnage est plus nuancé que cela mais il est fascinant de noirceur et le fait qu'il soit le narrateur est une excellente idée.
Ensuite Austin Butler, inconnu au bataillon qui gracc à Elvis va jouer le super méchant Feyd Rautha dans la suite de Dune, est tout simplement bluffant. Il est Elvis et c'est lui qui chante et qui a bossé comme un damné son timbre de voix pour assurer le rôle de sa vie qui lui ouvre les portes d Hollywood. Il est très bon tant dans le charme que la naïveté un peu bovine du personnage. Certes le réalisateur australien le magnifie et pense dans ses décors et sa mise en scène au moindre détail pour embaumer son personnage de toute l'aura qu'il draine encore derrière lui 45 ans après sa mort.
Et le troisième choix qui fait d'Elvis un grand film est d'avoir voulu raconter un mythe plus qu'un personnage. A un moment le film se détache de l'homme pour prendre de la hauteur sur les fans, l'entourage immédiat et montrer cet homme hyper généreux et doué tout d'abord rebondir et provoquer l'hystérie alors même que les Beatles et les Stones et tout le mouvement hippie était passé par la. Et la le film raconte l'histoire d'un mythe en construction et comme tout mythe il a besoin d'un échec et d'une renaissance au sommet. Puis le film explique les mauvais choix et l'enfermement dans sa prison dorée de Las Vegas et dans l alcool et la drogue et le film prend une tournure de tragédie grecque assez fascinante.
Baz Luhrmann signe son film le plus mature car avec le plus de recul, le plus complet car traitant de sujets au final très universels, le plus abouti car délaissant parfois son énergie pour mieux embraser le destin tragique du king, qui se suffit à lui seul.
Un grand biopic et un film remarquable.
N°08- "Nightmare Alley" de Guillermo Del Toro
Après son lion d'Or à Venise en 2017 avec "La forme de l'eau", et quatre Oscars en 2018 dont ceux du meilleur film, du meilleur réalisateur, Guillermo Del Toro est de retour.
Nightmare Alley est le remake du film "Le Charlatan", réalisé en 1947 avec Tyrone Power. Il suit un bonimenteur faisant croire dans son spectacle truqué qu'il avait le pouvoir de lire dans les esprits. il s'aide pour ceci d'une psychologue et d'une diseuse de bonne aventure. Le film suivra la marche vers la gloire et la chute du personnage. On imagine sans mal Del Toro dans un tel univers.
Son casting est comme d'habitude impressionnant avec Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Ron Perlman et Rooney Mara !
Le film est clairement l'un des meilleurs de Del Toro et il ne comporte pas de monstres ou plutôt il en regorge mais ce sont bien des humains plus viles les un que les autres. Sur un scénario à rebondissement qui parle de parvenu, de manipulation et de traitrise, Del Toro nous dépeints des monstres individualistes au milieu d'un cirque magnifiquement restitué, aux couleurs et l'imaginaire baroque jusqu'à des bureaux très art déco tout aussi splendides.
Le casting comme les décors sont tomber par terre et servent au mieux un jeu d'acteurs de premier plan au service d'un thriller noir comme l'âme de ses anti héros.
Une splendide démonstration que Guillermo del Toro est un grand maitre qui cette année 2022 a pondu deux bijoux avec son Pinocchio.
La piste aux lapins : 4,5/5
N°07- "The Innocents" de Eskil Vogt
Le pîtch : Un été, quatre enfants se découvrent d’étonnants pouvoirs et jouent à tester leurs limites, loin du regard des adultes. Mais ce qui semblait être un jeu d’enfants, prend peu à peu une tournure inquiétante...
J'ai loupé le film à sa sortie en février mais la sortie en VOD me permet de rattraper ce film norvégien assez fascinant et extrêmement réussi. On y aborde les supers héros comme dans beaucoup de films du genre pour parler d'un sujet plus mature et profond.
Ici le réalisateur aborde les affres de la petite enfance lorsque des gamins isolés de 6-7 ans se découvrent des pouvoirs mais les utilisent pour certains de façon négative, agressive voire criminelle. Qu'est ce qui se passe dans la tête d'un être pas totalement formé dans sa personnalité lorsque ce dernier découvre qu'il a une puissance, une possibilité d'agir sur son environnement. Le film est très bon dans ce qu'il traite de l'absence totale de morale et de retenue des enfants qui peuvent être d'une cruauté ahurissante. Je peux en témoigner pour en avoir été victime enfant. Le harcèlement des enfants envers d'autres masque cette absence de cadre intellectuel pas encore suffisamment forgé.
"The Innocents" traite donc de cela avec très peu de dialogues car la caméra suite les quatre enfants à hauteur d'enfants.
Eskil Vogt use d'effets spéciaux avec parcimonie et fait montrer le suspens, la pression d'abord par des scènes anodines puis en montrant l'absence de limites et la noirceur de l'un des protagonistes, va installer un climax anxiogène à souhait mais inscrit dans un quotidien de petites familles scandinaves de banlieue sans histoire.
La vision cauchemardesque de ces petites têtes blondes n'est pas une première au cinéma mais ici il y a une vraie originalité dans la mise en scène progressive où chaque évènement apporte une graduation supplémentaire dans ce que l'on craint qu'il arrive.
La maitrise de ce film et son résultat auquel on pense longtemps après font de ce film une grande réussite de 2022.
N°06- "Revoir Paris" de Alice Winocour
A Paris, Mia est prise dans un attentat dans une brasserie. Trois mois plus tard, alors qu’elle n’a toujours pas réussi à reprendre le cours de sa vie et qu’elle ne se rappelle de l’évènement que par bribes, Mia décide d’enquêter dans sa mémoire pour retrouver le chemin d’un bonheur possible.
Sur un sujet aussi casse gueule que les attentats du 13 novembre 2015, qui restent pour tous encrés dans notre mémoire, il était très difficile de témoigner du traumatisme des victimes sans tomber dans un film pleurnichard, voyeuriste ou pathos.
Et pourtant, Alice Winocour, qui avait déjà montré toute sa finesse et sa sensibilité dans l'excellent Proxima, réussit l'impossible.
"Revoir Paris" reprend des éléments qu'on connait des témoignages, notamment des personnes cachés au Bataclan, des victimes abattues de sang froid alors que les tueurs passaient entre elles mais elle les transpose dans un restaurant et mixte les histoires. On sait que les personnages sont de fiction et que la situation n'est pas exactement la même mais elle arrive ainsi à faire percevoir toute l'horreur des divers attentats pour les victimes. Et au lieu de jouer sur un effet malsain de suspens ou d'horreur déplacée, elle va suivre l'une des victimes durant les mois qui suivent, jouée par une Virginie Efira décidément au sommet de son talent.
L'actrice porte le film sur ses épaules avec une telle retenue, une telle dignité et exprime son désarroi, ses interrogations, sa perdition avec un tel talent qu'elle mérite amplement un César en 2023.
Virginie Efira s'affirme comme l'actrice française du moment qui sait tout jouer avec un réalisme confondant.
"Revoir Paris"est un film magnifique de sensibilité et d'intelligence. L'émotion et les larmes sont difficiles à réprimer et pourtant la pudeur est très présente de bout en bout. Le scenario est également très intelligent car il met en scène la perception différente des victimes selon leur origine sociale et leur place dans la société et çà c'est très très fort. Comment des "invisibles" de la république ont vécu une telle tragédie alors qu'ils en vivent aussi au quotidien. Là aussi la réalisatrice aurait pu s'enliser dans un discours bienveillant et bateau mais non il est simplement universel et efficace.
Le film parle de comment se reconstruire avec d'autres vies brisées et faire face ensemble, être résilient et se relever.
C'est un très beau film, porté également par un Benoît Magimel décidément de retour au 1er plan et çà fait rudement plaisir.
La délicatesse du film et la force de son message sont la plus belle réponse que le septième art pouvait livrer face à la barbarie.
N°05- "Licorice Pizza" de Paul Thomas Anderson
Le grand Paul Thomas Anderson est l'un de mes réalisateurs préférés, un de mes chouchous, et aligne les réussites avec "There Will be Blood" avec l'excellent Daniel-Day Lewis, "Boogie Nights", "Magnolia", "Punch Drunk Love", et bien sûr le film sur le créateur de la scientologie, l'excellent "The Master".
Et puis c'est le drame...il nous sort un "Inherent Vice" vraiment mal ficelé, pas drôle, censé se rapprocher de Las Vegas Parano mais un peu chiant. Hélas, si son "Phantom Thread" avec Daniel-Day Lewis dans son dernier rôle de cinéma, a séduit la critique, j'y suis resté de marbre. Ce film sur la création trop froid, trop classique dans sa mise en scène, oubliait l'émotion, trop confinée. L'élégance manifeste de "Phantom Thread" ne le rendait pas aimable pour autant, extrêmement rigide. J'espère donc ne pas me prendre une troisième déception avec son prochain film.
Et bien soyez rassurés si vous aviez le même sentiment que moi, "Licorice Pizza" est LE film qu
'on attendait du maitre ! C'est son retour à un cinéma plus accessible, plus doux et d'une tendresse, d'une légèreté qu'on désespérait qu'il retrouve. On pense évidemment à "Punch Drunk Love" et "Boogie Nights" car le film est unique en son genre, "insolite" et surtout souvent très drôle !
On y suit un lycéen vivant dans la Vallée de San Fernando dans les années 1970 et ayant connu le succès en tant qu'enfant comédien. Le lycéen est incarné par Cooper Hoffman, le fils de Philipp Seymour Hoffman, grand ami de PT Anderson et immense acteur ayant joué pour lui très souvent (Boogie Nights, Magnolia, Punch Drunk Love, The Master) avant de nous quitter en 2014.
Et vous avez quoi ? Il est brillant comme son papa ! Le mec est confondant de justesse et son duo avec la jeune Alana Haim est tout simplement brillant.
Ils sont hyper attachants et PT Anderson nous conte une love story sans clichés, sans sirop mais tout de même avec beaucoup de cœur, d'élan, de vitalité. C'est un tour de force d'émouvoir et de donner le sourire dans un feel good movie sans refaire du déjà vu.
Car en plus de raconter cette histoire de deux êtres très jeunes qui se cherchent et préfèrent de jauger et jouer la complicité amicale, PT Anderson aborde des thèmes super intéressants.
D’abord sa reconstitution du Los Angeles des années 70 est excellente avec des stats ou pseudo stars sur le retour comme celles interprétées sur des scènes fabuleuses par Sean Penn et Bradley Cooper, complètement dingo. Et surtout il nous parle de la fin d'une époque, les 30 glorieuses, où tout état possible, où un gamin de 15 ans aux Etats-Unis pouvait monter sa boite. Mais c'était avant le premier choc pétrolier et l'arrêt net de cet american way of lie. En prenant ce contexte comme toile de fonds, PT Anderson n'est pas nostalgique mais réussit à donner de la fraicheur, de la vitalité et de l'innocence à une histoire d'amour là où aujourd’hui le cynisme a souvent pris le pas et s'est errigé en armure obligatoire de tout à chacun. D'ailleurs ce jugement permanent incitera certains spectateurs à tordre le nez lorsqu'on voit des enfants s'investir et travailler pour créer une boite. Sauf que c'était il y a 45 ans, dans un autre contexte, un autre pays, une autre culture.
C'est donc vivifiant de voir un très grand réalisateur revenir avec son film le plus abordable depuis 15 ans, un vrai film qui donne la banane et dont on ressort le sourire aux lèvres.
Une très grande réussite !
N°04 - "After Yang" de Kogonoda
Le pitch : Dans un futur proche, chaque foyer possède un androïde domestique, appelé « techno-sapiens ». Dans la famille de Jake, il s’appelle Yang, et veille plus particulièrement sur la jeune Mika, assurant pour cette petite fille adoptée d’origine chinoise, un rôle de tuteur, d’ami, de confident.
La science-fiction est un genre ultra visité depuis des dizaines années mais rares sont les films sur l'intelligence artificielle qui visent juste. La Ai de Spielberg était en partie gâché par les bons sentiments du réalisateur et I Robot d'Alex Proyas d'après Azimov, virait trop vite dans le film d'action. Ex Machina d'Alex Garland avait suscité l'intérêt il y a quelques années et Spike Jonze avait livré le chef d'oeuvre HER.
Évidemment il y a LE canon de la SF qu'est Blade Runner et sa suite Blade Runner 2049. Et en série on peut citer notamment Real Humans.
Avec cette proposition l'artiste Kogonoda opte pour une SF sans effets spéciaux, dans un monde très proche du notre, d'une dizaine d'années, ne montrant que l'intérieur des voitures autonomes plutôt que de dépenser du fric de son budget à montrer des voitures volantes.
Et tout le film est construit sur l'intérieur, celui de cette grande maison d'architecte où vit la famille dans le calme, paisiblement, ou celui de ce musée dont on ne voit jamais l'entrée. On ne voit aucun personnage se déplacer vers un intérieur mais on les voit agir ou réfléchir de façon posée dans un espace clos. Ce choix esthétique est là pour accentuer l'impression de futur plutôt paisible, en sécurité ainsi que la place familiale donnée au robot. Puis progressivement le personnage de Colin Farrell enquête sur le pourquoi de la panne de son robot et au fur et à mesure qu'il découvre qu'il avait des sentiments, on va le voir sortir à l'extérieure en pleine nature.
Cà peut sembler bête et naïf écrit comme cela mais cette mise en scène accompagne la révélation des personnages.
Le fait de montrer cet être comme un "défunt" dont on veut faire le deuil et découvrir le passé caché, faire un travail de mémoire est une idée absolument géniale.
Elle permet de traiter de l'éthique que l'on devra avoir vis à vis de ces êtres que crééra l'homme à n'en pas douter et qui développeront probablement quelquechose de différent de nos sentiments mais dont on ne maitrisera probablement pas la profondeur. C'est par le rapport à autrui et en occurrence à ce robot que les personnages découvrent leur propre attachement et ce qui finalement les liait davantage à cet être synthétique.
After Yang est ce genre de film très calme qui vous cueille par les sentiments et vous fait monter les lames à l’œil avec une approche pourtant sans artifice, sans mélo lourdingue mais juste par construction.
En fait Kogonada réalise son film comme un peintre ajoute de petites touches de peinture à son tableau jusqu'à ce qu'il a dans sa tête se révèle sur la toile.
Le résultat et magnifique de simplicité et d'efficacité. Les concepts déjà vus et revus en science-fiction apparaissent comme neufs et d'une grande finesse.
La sérénité qui se dégage de ce petit bijou de science fiction est assez désarmante de tendresse et de poésie.
N°03 - ExAequo - "Trois mille ans à t'attendre" de George Miller
Forcément, un film de George Miller, réalisateur des Mad Max est ultra attendu d'autant plus qu'avec son Mad Max Fury Road en 2015, il a calmé tout le monde avec un chef d'oeuvre de SF d'une beauté confondante et d'une mise en scène aussi décoiffante que brillante, faisant renaitre son héros iconique comme on ne l’attendait pas du tout.
Mais avant d'en tourner un prequel sur le personnage de Furiosa, qui sortira en 2024 et qu'il a commencé à tourner, le réalisateur de 77 ans nous livre un autre bijou que personne n'attendait.
Les films de fantasy qui parlent d'imaginaire, de comment raconter des histoires, comment faire rêver sont au final pas si fréquents que cela. Si on met de côté les films de super-héros, les dystopies, les space opéra, on se retrouve avec peu de réalisateurs qui abordent ces sujets. On pense évidemment à Tim Burton, Caro et Jeunet ou Guillermo Del Toro pour leur talent visuel et les mondes qu'ils sont capables de créer. Terry Gilliam est lui le maitre incontesté des univers fous bercés de rêves folie et si Brazil et L'armée des 12 singes sont des dystopies très axées sur le cauchemar, Bandits bandits, Les aventures du Baron de Munchausen, Fisher King et même Las Vegas Parano parlent de l'importance de se créer des univers, de raconter des histoire et de pourquoi on les raconte. Le summum fut L'imaginarium du Docteur Parnassus dont le thème était précisément la force des histoires pour lutter contre l'adversité du monde réel et évidemment L'homme qui tua Don Quichotte qui résume à lui seul l'ensemble de ces thématiques qui ont traversé l’œuvre de ce grand maitre, mon réalisateur préféré car j'aime, j'adore m'évader et me raconter des histoires pour romancer le réel et rendre ce dernier plus supportable.
C'est exactement ce que fait George Miller dans "3000 ans à t'attendre" en érudit des contes et légendes en donnant beaucoup de lui-même dans le rôle interprété par l'une des plus grandes actrices au monde, Tilda Swinton. Elle joue une professeur de narratologie qui vit seule et vit très bien car son imaginaire est foisonnant et elle connait tout du processus d'écriture et de déroulement d'une histoire pour raconter et emporter le public. Et pour que son film devienne méta et forme une boucle ludique, il lui fait rencontrer un génie joué par un Idris Elba qui trouve enfin un rôle à la hauteur de son talent. Les deux vont beaucoup échanger et parler dans une chambre d'hôtel car elle ne souhaite pas réaliser de vœux, elle est bien comme cela.
Et c'est plus un exercice psychiatrique sur le Djin, le génie qui va se réaliser, ce dernier racontant son histoire et son passé. On pense immédiatement à la beauté de certains films de Gilliam (Munchausen) ou au magnifique The Fall de Tarsem Singh. Les visuels sont magnifiques, inventifs et vous feront vous évader alors même que vous ne vous accrochez pas à ces personnages très vite dépeints psychologiquement et uniquement au conteur qu'est le Djin. Tout le talent de George Miller dans sa mise en scène de nouveau brillante et diverse, marquée de ruptures et de trouvailles à tout instant, c'est justement de vous emporter d'histoire en histoire et de vous immerger dans ce flot de rêves sans vous perdre et en y aoutant des clins d’œils et doses d'humour qui vont aboutir sur la dernière demi heure en apothéose.
Car le film n'est pas qu'un beau livre d’images et s'avère extrêmement doux et émouvant sur sa conclusion, à l'exact opposé de la furie destructrice des Mad Max. On y voit la rencontre de deux solitudes et c'est d'une universalité qui fait décoller le film très très haut.
Il est extrêmement rare de voir un film sur l'imaginaire aussi brillant, aussi passionnant, dévaler sur nos écrans. C'est un énorme MERCI que je donne à George Miller pour ce conte philosophique qui m'a fait rêver, sourire et qui m'a ému par son romantisme classe et adulte.
Autant de talent et d'intelligence concentrés durant ces deux heures comme ce Djin qui tient dans une petite fiole. Un énorme coup de cœur que ce "3000 ans à t'attendre" qui s'avère être l'un des plus beaux films de l'année.
N°03 - ExAequo - "Un monde" de Laura Wandel
Ce premier film est une réussite totale. Réussir à parler du harcèlement scolaire de façon aussi vibrante est un tour de force qui se repose sur ses jeunes acteurs incroyables, Maya Vanderbeque et Günter Duret mais aussi sur une mise en scène d'une intelligence remarquable.
En se mettant à hauteur d'enfant avec les adultes et les enfants harceleurs/bourreaux quasi hors cadre, la réalisatrice nous immerge directement dans la solitude que ressent l'enfant victime ou sa sœur de par l'isolement ressenti. Car au-delà d'être rejeté du groupe d'enfants et mis au ban, on voit toute la difficulté de la victime à parler aux adultes, à exprimer la douleur de peur d'être encore plus rejeté ou encore plus maltraité par les bourreaux. La réalisatrice montre très bien les mécanismes de mini société à l'intérieur de l'école qui s'installent et rend son sujet universel en parlant du fait que dès l'enfance, on apprend la dureté de la vie en société et la réalité de l'existence du mal à l'état le plus sauvage. On voit aussi l'aveuglement des adultes du corps enseignant qui ont tellement de sujets à traiter qu'ils préfèrent regarder ailleurs car n'arrivent pas à gérer un enfant qui ne se défend pas.
J'ai moi-même été victime de harcèlement scolaire en sixième et cinquième soit un peu plus tard en âge que l'âge des enfants dans le film. J'ai vécu un enfer durant deux ans d'humiliation permanente, étant tête de turcs de trois ou quatre connards qui avaient besoin de se défouler et de s'unifier contre plus faible. J'étais "différent" car plus sensible, plus rêveur que les autres. J'en ai pleuré et souffert à tel point que ma personnalité en été fortement imprégnée.
En adulte de 47ans je vis les petites injustices de la vie avec plus de difficultés car elles renvoient directement à ces blessures-là. Difficile d'avoir confiance en soit après celà, même 34 ans après. Et c'est rare voir inexistant qu'un film aborde ce sujet. Les enfants ne sont pas mignons. Ce sont entre eux potentiellement des monstres sans aucune retenue car ils n'ont aucune morale à cet âge. Parfois çà dure beaucoup plus longtemps.
J'ai vu toute la noirceur du monde dans les yeux de ces enfants tortionnaires et je ne peux qu'être extrêmement touché par ce film sensible d'une grande humanité qui vous prend aux tripes par sa justesse et sa simplicité.
Pour ma part j'ai mis fin au cauchemar par la violence, à coup de règle en fer sur les doigts d'un de mes tortionnaires, qui pissait le sang, le reste de la classe se mettant de mon côté. Cà aussi ceci m'a forgé en mode viking quand on m'emmerde ou me veux du mal, je frappe, symboliquement parlant. Je ne me démonte jamais pour cette raison, pour le petit bout tout gentil que j'étais et qui s'est fait détruire de cette situation.
Mais c'est triste sur la nature humaine, la nature sauvage avant d'avoir des lignes directrices, une éducation, et dans ce Nomad land d'absence de morale qu'est l'enfance, les adultes ont le devoir de surveiller, d'écouter leurs enfants dans leurs non-dits car toutes les histoires ne finissent pas bien comme la mienne.
"Un monde" est un film nécessaire, court (1h10) et brillant par son impact.
N°02- ExAequo - "As bestas" de Rodrigo Sorogoyen
Le pitch : Antoine et Olga, un couple de Français, sont installés depuis longtemps dans un petit village de Galice. Ils ont une ferme et restaurent des maisons abandonnées pour faciliter le repeuplement. Tout devrait être idyllique mais un grave conflit avec leurs voisins fait monter la tension jusqu’à l’irréparable…
Curieux film que ce As Bestas qu'on n'avait pas vu venir. Soyons clairs dès le départ, c'est l'un des très bons films de 2022 à voir absolument.
Marina Foïs et Denis Ménochet sont brillants et prouvent à quel point le cinéma français a de la chance de les avoir, même si ils jouent dans un film espagnol en espagnol !
Rodrigo Sorogoyen avait marqué les esprits avec El Reino, film sur un politicien corrompu lâché par ses pairs et embarqué dans un cercle destructeur sans fin. C'est un nouveau coup de maitre que ce "As bestas" qui traite d'un sujet rare, le racisme des autochtones d'une campagne reculée, pétrie d'identitarisme, envers des "étrangers".
Le réalisateur utilise son histoire pour en fait tourner deux films en un.
Le premier s'intéresse à ce couple confronté à la violence verbale de voisins qui souhaitent qu'ils partent et les harcèlent au quotidien dans une spirale dont on ne connait pas ni la fin ni la forme qu'elle prendra. Face à cet état de fait qu'ils subissent les deux français venus refaire leur seconde partie de vie restent forts, unis entre eux et ne veulent pas abandonner leur rêve, celui de devenir agriculteurs ainsi que les économies d'une vie qu'ils y ont investi. Ce premier film a des accents de thriller et l'angoisse est portée à son comble dans plusieurs scènes choc vraiment marquantes. L'aspect homme fort et brut de Denis Ménochet est alors essentiel face à cette adversité injuste qu'on ne comprend pas.
Et puis le réalisateur fait s'exprimer cette fratrie d'espagnols joués par les très bons Luis Zahera et Diego Anido qu'on trouve indéfendables et rustres et explique la raison de leur haine, de leur jalousie pour ceux qui ont eu une éducation, une chance de réussir alors qu'eux sont restés miséreux. Là le film devient passionnant car sans excuser la stupidité des individus, il l'explique et rend palpable la profondeur de leur ressenti, et la séparation entre les victimes des déserts ruraux et les gagnants de la mondialisation habitant les villes.
Le second film lui vire à l'enquête et à la foi en un projet de vie envers et contre tous et à la soif que la vie reprenne un lit juste.
La virtuosité du film secoue, étonne par sa puissance. Un grand film.
N°02- ExAequo - "L'innocent" de Louis Garrel
Quelle excellente surprise que ce 4ème film réalisé par l’acteur Louis Garrel.
Le scénario à rebondissements s’avère burlesque et gentiment perché avec une tendresse folle pour ses personnages qui ont chacun vécu une brisure de vue mais qui restent incroyablement vivants et positifs.
C’est toute la force de « L’innocent » que de surfer entre comédie rocambolesque et tendresse romanesque et d’aller de l’une à l’autre avec une grande virtuosité.
Les acteurs sont excellents de Louis Garrel en jeune homme triste et inquiet qui déclenche le comique de situation sans le vouloir, Roschdy Zem toujours impeccable et ultra crédible en ex taulard au grand cœur à Anouk Grinberg qu’on est tellement heureux de revoir dans un 1er rôle. Une si longue absence pour l’ex de Bertrand Blier qui a manqué au cinéma français de part sa sensibilité, son visage juvénile et taquin et sa petite voix chevrotante. On l’a revue tout récemment dans « La nuit du 12 » mais là elle explose de légèreté et de blessures mêlées, un très beau rôle.
Et puis « L’innocent » est irrésistiblement drôle par le personnage farfelu qu’on aime immédiatement et qui est joué par Noémie Merlant. Connue pour des rôles très divers dans « Portrait de la jeune fille en feu » ou « Les Olympiades », elle explose dans le registre comique et fait éclater de rire la salle à plusieurs reprises de par son personnage fantasque et naturel avant de nous cueillir par l’émotion.
Louis Garrel a une direction d’acteurs vraiment très réussie qui alliée au rythme du film de casse, à l’aspect comique assumé qui n’oublie pas de nous émouvoir, nous livre l’un des meilleurs films de l’année sans crier garde.
Le cinéma français n’est peut-être pas en forme coté box office mais niveau auteurs de talents je suis très positif en sortant de films comme celui ci.
« L’innocent » est un film enlevé, très drôle, lumineux et qui donne du baume au cœur de part l’humanité qui s’en dégage avec une simplicité désarmante.
Le film fait des étincelles par son énergie, en faisant rire et en analysant avec subtilité le rapport filial et le deuil.
Un vrai tour de force.
AND THE WINNER 2022 IS...
N°01- "Une jeune fille qui va bien" de Sandrine Kiberlain
Sandrine Kiberlain, l'actrice, populaire et très douée, a attendu 53 ans pour réaliser son premier film. Elle l'a travaillé longtemps, peaufiné pour qu'il atteigne ce niveau très impressionnant. Car "Une jeune fille qui va bien" est une excellente surprise. On y suit Irène, jeune fille juive, qui vit l’élan de ses 19 ans à Paris, l’été 1942. Sa famille la regarde découvrir le monde, ses amitiés, son nouvel amour, sa passion du théâtre… Irène veut devenir actrice et ses journées s’enchaînent dans l’insouciance de sa jeunesse.
Le parti pris de Sandrine Kiberlain est déchirant car plutôt que de jouer sur le pathos, elle appuie sur un humanisme évident, le regard joyeux sur une jeune femme pour qui la vie reste à être découverte, naïve et fraiche, désarmante de beauté et de vie. On comprend vite que çà ne peut pas bien évoluer, que le nazisme arrive à grand pas avec la montée des mesures anti juifs, leur ostracisation par petites touches. Elle y dénonce sans lourdeur comment une société accepte l'intolérable au nom de la tranquillité quotidienne, de la volonté que rien ne bouge. Alors pour ne pas être dérangé on accepte que les propos violents, excluants montent dans le débat public et deviennent la norme. Les individus sont alors aveugles et l'es extrêmes ont le libre champs. Ceci ne vous rappelle rien ?
Évidemment le film fait écho à la France d'aujourd'hui qui ne descend plus dans la rue quand l'extrême droite arrive au second tour et qui ne manifeste plus quand un ex chroniqueur d'ultra droite (et tous les autres) squattent le champs médiatique et fédère autour de lui autant de potentiels électeurs par des propos d'une violence inouïe, faisant de l'exclusion le bouc émissaire idéal et çà ne choque plus autant qu'avant parcequ'on s'y est habitués, à force d'entendre cette merde sur les différents médias au même titre que le reste, au nom de la liberté d'opinion et d'expression...
Rebecca Marder, André Marcon, Anthony Bajon, Françoise Widhoff sont tous merveilleux de nuances, de simplicité, écrasés par la tournure de l'histoire, juste avant que le sol s'effondre sous eux, qui n'ont rien fait, juste tenté de vivre heureux avec leurs moyens. Le film est glaçant mais curieusement pas du tout durant son déroulé.
En effet Rebecca Marder a cette lumière en elle qui fascine le spectateur et nous fait l'aimer immédiatement. Son coté taquin voire lutin nous fait chavirer en même temps qu'on prends conscience toujours avec un décalage d’avance que la situation va s'empirer. Mais elle et sa famille espèrent car l'espoir est parfois la seule chose à quoi se raccrocher. Non, çà ne peut pas arriver. Pas en France, pas ici.
La force inouïe du film est que Sandrine Kiberlain choisit de parler de vie, de faire un hymne à la vie et non un gros film pathos de plus. Elle choisit le beau, la lumière de ses personnages pour raconter en creux l’horreur qui va leur tomber dessus. Mais elle ne raconte pas l’horreur, on la connait déjà. Elle est imprégnée dans notre ADN, enfin sauf des nazillons contestant l'histoire.
Pas besoin de cela pour être ému. Mais plutôt de l'avant, de cette belle vie heureuse qui les attendait et qui n'a pas eu lieu parceque la haine ne trouvait aucune limite pour continuer à s’immiscer dans les cerveaux. Par de petites scènes, elle montre aussi comment les français moyens, non juifs, n'ont rien fait et ont laissé faire, pas forcément par détestation des juifs mais parcequ'ils ne se sentaient pas concernés.
Choisir les couleurs de l'été et les sourires, la vie pour raconter l’inverse qui va arriver, c'est l'idée géniale de Sandrine Kiberlain.
En tant que réalisatrice elle trouve de nombreuses trouvailles et situations qui correspondent totalement au personnage d'elle qu'on connait, mêlant le fantasque à des situations du quotidien.
« Une jeune fille qui va bien » allie légèreté et gravité dans un film très poignant, qui reste en tête longtemps de par son côté solaire et la force de son message.
Un film d'une grande originalité porté par des interprètes merveilleux.
ET DONC POUR LA 13ème ANNEE, LE PODIUM DU BLANC LAPIN :
